Incursion dans l’univers d’une icône de la photo japonaise : Nobuyoshi Araki

Araki est l’un des piliers de la photographie japonaise. Son travail a eu une influence incommensurable, notamment sur les photographes issus des années 80 et 90 comme Nan Goldin, Viviane Sassen, Juergen Teller – qui ont par la suite eu un impact majeur sur plusieurs des photographes publiés chez nous. Publier Araki était donc une façon de boucler la boucle. Je ne crois pas que l’œuvre d’un Momo Okabe, d’un Ren Hang ou d’un Daisuke Yokoto aurait vu le jour si Araki n’avait pas ouvert la porte en faisant ce qu'il a fait. Revisiter son travail est une façon de lui rendre hommage en mettant en lumière son importante contribution au sein de l’imagerie contemporaine.

Le travail d’Araki se situe à l’intersection de trois médias – soit la photographie, la peinture et le cinéma – et Araki lui-même considère ce projet comme l'une de ses œuvres les plus importantes. Je suis d'accord. Je crois que l'on peut vraiment ressentir son sens du jeu et de l'expérimentation. Il va encore plus loin, et c'est génial de voir que l'artiste se met autant au défi qu’il invite le spectateur à le faire. Sans compter que cette série en soit est tout simplement époustouflante, et que très peu de gens y ont été exposés.

À vrai dire, je n'ai pas choisi de publier leur travail en fonction des thèmes qu’ils abordent, mais vous avez raison. J'aime les artistes qui me poussent hors de ma zone de confort et qui sortent du lot. Mais je ne crois pas que leur beauté soit le fruit d'une tentative délibérée d'essayer de créer quelque chose de nouveau à tout prix. Leur travail est honnête et fidèle à ce qu'ils sont. Je suis simplement attirée par les œuvres percutantes et sincères.

Un de mes amis à étudié l’histoire de l’art à Columbia et a suivi un cours avec une célèbre critique, spécialiste du minimalisme anglais. La professeure en question méprisait le travail d'Araki et ne considérait pas celui-ci comme de l'art. Je comprends parfaitement qu’elle puisse le voir ainsi, mais j’estime aussi que son expérience et son champ d’expertise ne lui permettent pas de reconnaître son travail à sa juste valeur. Je dirais même qu’en ce sens, elle ne sait pas reconnaître ses propres limites. L'histoire de l'art, du moins celle qui lui importe, est le prolongement d'un discours reposant sur certains mécanismes intellectuels qui ne s'appliquent qu'à l'art occidental.

Araki a eu droit à son lot de critiques découlant de ce genre de pensée institutionnalisée. Or, le rapport de l’Occident à la sexualité relève d’une tout autre histoire. Et c’est à moi qu’il revient de rendre son travail plus communicable et plus digeste aux yeux du public occidental.

Le style de Ren m’a vraiment frappée. Son travail, tout comme celui d'Araki, paraît très simple à première vue – ce qui lui vaut d’être diminué par certains –, mais j’ai remarqué qu’une nuance très sombre transparaissait aussi en filigrane. En tant qu’Asiatique, j’ai immédiatement été interpellée par cette sensibilité. À l’instar de Ren, je reconnais que j'ai aussi une facette sombre et que je peux parfois ressentir des pulsions d’autodestruction. Je suis souvent mal dans ma peau. Ce sont des sentiments que je porte en moi depuis ma naissance. J'espère ne pas paraître trop négative en disant cela, mais c'est une réalité avec laquelle je vis. Je suis convaincue que c'est un sentiment auquel beaucoup de gens s'identifient, et que c’est parce que Ren a su le traduire par son travail qu'il est devenu aussi populaire.

Définitivement. Ça, et le fait que son travail ait eu un tel impact, sans pour autant qu’il ne se prenne trop au sérieux. Je me souviens qu’en 2015, Ren avait pris des photos sur un toit par une journée glaciale d’hiver pour notre premier livre, New Love, et que j’avais été complètement désarçonnée par sa spontanéité. Ren avait demandé à ses modèles de se mettre du vernis à ongles rouge juste avant le shooting. Quand un morceau de sa caméra s’est brisé, il a tout de suite été chercher les vieilles bandes adhésives qu’elles avaient jeté aux poubelles et les a utilisées pour réparer celle-ci. Ce genre de spontanéité n’existe tout simplement pas chez les Japonais. Nous préparons tout à l’avance afin que tout soit parfait lors du jour J. Il n’y a pas place à l’imprévu. Les Japonais se soucient beaucoup moins de préserver la passion entrant en jeu dans le processus créatif que de peaufiner le résultat final jusqu’à la perfection.

Oui, et c’est en partie ce qui a rendu son travail et celui de ses pairs si explosif. Or, malgré la résistance de ses artistes au fil du temps, le Japon demeure un pays somme toute assez restrictif. C'est pourquoi Session Press a un ADN essentiellement japonais, puisque je suis confrontée à beaucoup de frontières comparativement aux autres éditeurs américains. L'anglais n'est pas ma langue maternelle, je ne suis pas physiquement parfaite et je ne suis plus toute jeune non plus, mais je remarque que ce sont en fait ces contraintes et ces désavantages qui me permettent de me distinguer dans l’univers du livre photo à New York.

Oui, et c’est pour cette raison que je choisis délibérément de m’entourer d’une équipe de non-Japonais. J’ai besoin de leur perspective pour compléter la mienne. Ce serait plutôt arrogant de ma part de m’attendre à ce que les spectateurs occidentaux comprennent la photographie japonaise en me contentant de leur montrer celle-ci.

J’ai décidé de fonder Session après avoir réalisé que je jouais un rôle tout à fait unique chez Dashwood, dans la mesure où j’avais la chance de pouvoir rencontrer des collectionneurs de livres photo en personne et de bâtir des relations durables et sincères avec eux. Bien sûr, de nos jours, vendre en ligne est très efficace, mais mon expérience personnelle m’a démontré que jouir d’une présence physique permet de forger des relations plus profondes avec vos clients. Je voulais établir un contact direct avec les gens par l’entremise de Dashwood, et mon rôle en tant que tel était un peu celui d’une ambassadrice de la photo japonaise. L’essence d’un livre photo réside dans sa physicalité, alors la communication directe est importante. Vous n’apprécierez jamais pleinement un livre photo en version numérique.

J’étais très jeune quand j’ai su que je voulais travailler dans le milieu artistique, mais ça m’a pris du temps avant de savoir vers quelle branche exactement je voulais me diriger. J’ai commencé à m’intéresser à la photo et aux livres photo à partir du moment où j’ai compris que la photographie japonaise avait été bien accueillie en Occident, mais que peu d'éditeurs d’ici s'intéressaient sérieusement à celle-ci – tout particulièrement chez les Japonais d’origine. Mon souhait était d’offrir à ces voix méconnues une tribune – petite, mais importante – afin de permettre à celles-ci de se faire entendre dans le monde du livre photo.