衝突する形とカタチ：
ヴェロニカ・ディッティング

ヴェロニカ・ディッティング：始まりは言語だったと思う。母が翻訳の仕事をしていて、子どもの頃から私はバイリンガルだったこともあって、言語にはずっと興味があったの。それから、高校ですばらしい美術史の先生に巡り合った。彼からは、徹底的なリサーチと、ディテールにこだわることを学んだわ。 最初はドイツで勉強していたのだけど、アムステルダムの美術大学、ヘリット リートフェルト アカデミーに編入して、そこで初めてグラフィック デザインが、本当はどういうものかを学んだ。グラフィック デザインで重要なのは、あるプロジェクトにおいて、自分をどう位置づけるかなのよね。

ええ。私がやったのは、翻訳と誤解をテーマにしたプロジェクトで、ポスターとパンフレットからなる、ゆるい感じの、実験的な出版物みたいなものだった。ポスターのひとつでは、吹き替え声優を取り上げたわ。ドイツではどの映画もすべて吹き替えになるから、有名人の声ではなくて、そこに当てたドイツ人の声を聞いて大人になるのよ。でもこうした人たちが注目されることはほとんどない。だから、私はアルファベット順に分類した、吹き替え声優のポートレートを作った。それから、映画のタイトルがどのように翻訳されて、それがその映画に対する見方や、日常生活のひとコマにどのような影響を与えうるかを取り上げたポスターもあった。今でも覚えているのが、オランダに引っ越してきて、誰かに『ジョーズ』を見たことがあるか聞かれたときのこと。私は映画の英語タイトルに馴染みがなかったから、見たことないって答えたの。

『Der Weisse Hai』。「白いサメ」という意味よ。 別の卒業プロジェクトは、複製をテーマにしたのだけど、これも翻訳に絡めたものだった。私たちはまず1枚のリチャード・ビリンガム(Richard Billingham)の写真を取り上げ、誰かにそれについて詳しく描写してもらう。そこから、写真家に頼んでその写真を再現してもらう。さらに、別の人に頼んでその写真を描写してもらい、それをライターや理論家、デザイナー、写真家に再現してもらう、ということを繰り返していくの。最終的に、私たちは8段階の描写とイメージを揃えたのだけど、それを見れば、どのようにして、ある要素は翻訳されて残り、他の要素が希薄になるのかが、よくわかったわ。多分、これはどれも私が外国へ引っ越した経験がもとになってるのね。アルゼンチンからドイツに移ったとき、私はドイツ語がまったく話せなかったでしょ。それからまたオランダに引っ越して、外国人になるという、同じ体験をしたから。

ハンナは『The Gentlewoman』第18の記事のために写真を撮ってくれたのだけど、彼女と仕事するのは本当に楽しかった。そこから昨年11月に、彼女から展覧会のグラフィック関連をやってくれないかと頼まれたの。作品を壁から離して持ち上げることで、オブジェ的な要素を作品に与えてみた。他には、私のエディトリアル デザインの経験を活かして、パネルに小さなキャプションをつけたわ。

私は中途半端なことはできない人間なの。私はとても協力的よ。でも、写真の横にただステッカーを貼るだけで済ませるタイプのデザイナーじゃない。いつも、それがどのようにして作られたかに細心の注意を払ってる。 ハンナの写真の中でモデルたちが着ている服が、実はイギリスの様々なデザイナーから引っ張ってきたもので、それが、ここ20年くらいの、ちょっとしたイギリスのデザイン史になっていると知って、この点は強調した方がいいだろうなと思ったの。だから、ひとつは作品の説明書きのパネルにして、もうひとつは、ファッション雑誌のキャプションのようにしてはどうかと提案したわ。エディトリアルのフォーマットがどのデザインに形を変えるのかを見るのは好きよ。パネルには、2種類の異なる書体を使った。ひとつは、パウダーコーティングしたオフホワイトのメタルのパネルに幅広のセリフ体、もう片方は、シンプルに、ライトグレーのパネルに、ボールドのサンセリフ体。大きい壁面のパネルでは、その2種類の書体が重なり、交わり合うようにした。私が目指したのは、形の上で衝突させることで、こうすることで、ふたりの写真家の展覧会の意味や、ふたりが2ヶ国語を話すということの意味を問うたのよ。

私は人に、私の仕事が「ミニマル」だと言われるのが、本当に嫌なの。常に言ってるのは、私の仕事はよく「編集されている」のだということ。私がページ上で探求しているのは、堂々として、存在感があり、オーセンティックなグラフィックよ。何を作るにしても、常にそれらしい姿に作るべき。無理やり別の形にしようとするのではなくて。だからこそ、たいていの大判の写真集みたいな本が大嫌い。

うわ。まあ、多分ね。言うなれば、タイポグラフィにおける触知性と明解さかな。

最初に思いつくのは、おそらく、エディトリアルに関するもの。レファレンスや脚注のようなね。そういうのでいろいろ遊ぶのがすごく好きなのよ。シンプルだけど、とても多くの形になる可能性があるから。

もちろん。とはいえ、当然だけど、どの号でも、常に時間の制限があるのよね。

うわあ、選びたい人はごまんといるわ！ 注意して名前を挙げないとね。だって、第20号で声をかけることになるかもしれないんだから。第18号の表紙を飾ったアニエス・ヴァルダ(Agnès Varda)は、『The Gentlewoman』を始めたその日から、ずっとそのリストに入っていたひとりよ。そして、今の表紙になっている人も、長い間、そのリストに入ってたわ。

アガサ・クリスティー(Agatha Christie)なんか素晴らしいでしょうね。

それは本当に場合によるわ。オランダでこの仕事を始めたときはアーティストや建築家と一緒に仕事をしていて、そうした共同制作者と私の間の対話からなるような直接的な関係が、私の好きな働き方の基礎になってるの。何年もの間、私は「クライアント」という言葉を避けてた。オランダでは、一度も使ったことなくて、ただ共同制作者と言っていたのよ。でもここロンドンに来て、色々と変わった。大きいブランドとの仕事では、その関係はもっと複雑よ。駆け引きが必要にもなることもあるし、たくさんの意見をうまく調整しないといけない。

だから、私は今でも直接意見を交換できるような関係は大事にしてるわ。10年前は、もっとデザインそのものに集中していたけど、今やってるのは、デザインとクリエイティブ ディレクションの組み合わせ。写真家やスタイリスト、舞台装置デザイナー、キャスティング ディレクターなどと一緒に仕事をしてる。でも、私にとっては、デザインは今もすごく大切よ。これ以上実践的なことには関わらない、みたいにはなりたくない。だから、今でもそのふたつの間でバランスを取ってる。

とにかく仕事そのものに集中し続けること。私はいつも、何でも自力でやるメンタリティを持たなければならないと言ってるわ。他人が完璧なイメージを持ってくるのを待っているのではなく、自分でなんとかしなくてはならない。それが、グラフィック デザイナーやクリエイティブ デザイナーの役目なの。すべての要素に対して責任を持って、いちばん納得のいく方法で提示できるよう、どうすればプロジェクトを進めていけるかを考えなければならない。誰か他の人が自分のために解決してくれるのを待っていてはダメで、自分で解決しなければならないのよ。